近来正在和朋友讨论创建一个游戏音乐佳作的汇总歌单，正值春节期间，闲来无事，打算每天写几首游戏音乐的推荐，顺带和大家分享一下个人十分欣赏的游戏曲目。
在这个系列中，我尽量尝试从不同的角度谈谈我对于游戏音乐的理解。这些方面包括但不限于——作曲的简要赏析，音乐之于游戏的叙事作用，音乐创作的相关背景，以及个人对于音乐的感受与联想。
那么，就从今天开始吧～
1.悪魔城藏書庫（《恶魔城:晓月圆舞曲》，2003）
游戏音乐与巴洛克复调结合的典范
自古图书馆出神曲，山根美智留再现了她在月下巅峰时期发挥出的高超作曲水准，使得巴赫的古典风格跨越数百年的时间长河，在电子游戏领域再一次焕发生机。
古典与电子在山根的创作中实现了高度的融合，交织递进而此起彼伏的声部将藏书库庄严与诡秘并存的氛围渲染得淋漓尽致。
聆听时推荐注意各声部的变化与呼应，可以感受到山根的作曲受巴赫的影响之深。此外，推荐一下山根大妈的恶魔城钢琴即兴演奏系列，视频可以在Bilibili上找到，简直是恶魔城爱好者的福音😇
2.妖星乱舞（《最终幻想VI》，1994）
名垂青史的神曲，植松伸夫的疯狂之作
真正意义上的“神曲”，四大乐章完美复现了地狱、炼狱、天堂、曲终的历程，植松伸夫几乎是丧心病狂地在SFC平台上实现了长篇巨制的人声合唱，如同宗教般神圣肃穆的场景在管风琴宏大庄严的声乐叙事中徐徐铺展，急促不安的电子鼓点则在庄重和谐的表面下埋下了绝望的种子，仿佛昭示着杰夫卡步步紧逼的疯狂，生动诠释了何谓真正的“妖星乱舞”。
3.ゲルドの谷（《塞尔达传说:时之笛》，1998）
永远的格鲁多峡谷
本曲在时之笛玩家心目中的地位已无需多言。第一次骑马在峡谷中穿行，当这首曲子响起时，又有谁不是心头一震呢？轻快而优美的弗拉明戈小曲在峡谷间悠悠回荡，时之勇者仿佛在刹那间回到了无忧无虑的少年时代。仔细聆听，或许也能在这首歌曲中察觉到一丝伤感，近藤浩治很好地把握住了这一缕情愫，将悠长的曲调融进了漫漫旅途之中，令人回味无穷。
格鲁多峡谷是一部非同凡响的配乐，时之笛亦是一部传奇而伟大的作品。近藤浩治向世人宣示了电子与爵士音乐并非他的舒适圈，时之笛也向游戏业界诠释了音乐之于游戏的意义，电子游戏音乐也在这一世代彻底告别了芯片音乐时代，转而投入更为广阔的创作天地。
此为，本曲还有两个相当优秀的版本，分别出自时之笛的交响乐改编集和WiiU大乱斗的塞尔达篇。
时之笛交响乐改编集
WiiU/3DS大乱斗 塞尔达传说篇
第一个版本更为庄严深沉，将潜藏于原曲的淡淡忧伤与史诗般的宿命感很好地演绎了出来。
第二个版本则是非常纯粹的弗拉明戈改编，潇洒惬意的曲调完美展现了林可纵马奔腾、穿梭于峡谷之中的场景，轻松而写意。
4.最後の闘い -魔王ヴェスパー-（《双星物语》，2001）
空前绝后的史诗乐章
千禧年后的头几年正是Falcom社音乐创作的巅峰时期，音乐部门JDK的产能达到了一个极为恐怖的地步，以至于他们能够在同一段时期接连为伊苏、zwei、轨迹甚至咕噜小天使谱曲，而本曲正是这样一首诞生于法社欣欣向荣之际的不朽名篇。
开篇的引入部分已是神来之笔，由轻至沉的鼓点配合渐进丰富的多声部器乐，奠定了最终战宏大壮阔的基调。接下来的风笛部分更是点睛之作，JDK极为大胆地以风笛为核心进行作曲，甚至放弃了风笛在传统JRPG中通常展现出的悠扬清亮的音色，使整首歌曲呈现出极为慷慨激昂的风格。
值得注意的是，虽为最终魔王战，JDK却没有选择以层次丰富的管弦器乐对风笛进行烘托，而是弱化了其他声部的作用，仅保留适度的鼓点强化节奏，反而出色地凸显了风笛那触及心灵的音色，为最终之战渲染上了近乎悲壮的史诗色彩。
此外，仔细聆听不难发现，这首歌曲还混入了双星物语的另外两首名曲《浮遊大陸アルジェス》和《永劫の夢、大空の記憶》，过往旅程的点滴记忆伴随着波澜壮阔的音乐，在旅途的终点一一浮现于脑海，相信每一个玩到这里的玩家都会感慨万分吧！
5.Asgore（《Undertale》，2015）
天才般的旋律复用
Undertale是一款很特殊的游戏，尽管当下很少有人认为它和JRPG有关联，但它切切实实受到了Mother系列的巨大影响。同样的，在音乐方面，Undertale也很好地汲取了Mother与东方系列的长处，注重音乐对于角色形象的塑造以及情感的含蓄表达，引领了新世代类芯片音乐的复古浪潮。
《Asgore》在游戏音乐中的分量不言而喻，这是玩家头一次面对一个“Final Boss”时听到的配乐。以《Bergentrückung》作为开头，无论是就游戏叙事、还是就音乐编排而言，都是极为惊艳的。
让我们再次回想这个画面：和善的国王停下了手中的园艺活，背过身去，再次询问你是否想回到地面，得到肯定的答复后，他望向眼前的结界，沉默良久，下定了某种决心，再度转过身来。周围的空气瞬息宁静，音乐便在此时响起，仿佛预示着什么不好事物的到来。在前奏结束的那一刻，四周再次陷入沉寂，随之迎来的便是国王从天而降的三叉戟、以及彻底粉碎的“Mercy”……
我想，几乎所有玩家初见这一幕都是无比震撼的，音乐与叙事的结合正是在此刻迈进了高峰。紧促而威严的《Asgore》随即便打断了玩家们的恍惚，漫天飞舞的弹幕让你不得不小心翼翼。不过，很快你就会听到几段熟悉的旋律。
应当说，音乐素材在游戏流程中的复用是很讨巧的做法，它节省了音乐创作的灵感成本，并加深了玩家对于反复出现的旋律所映射事物的印象。然而，很少有游戏能做到像Undertale这样极为频繁地复用几段主旋律。这样做很需要勇气，同时也对主旋律的作用提出了更高的要求——即，为什么作者想要让玩家反复听到某几段旋律？
让我们回到《Asgore》，最开始的一段旋律是《Bergentrückung》的变奏，起到了承接场景转变的作用。紧接着，有意思的一幕出现了，歌曲出现了与《Heartache》极其相似的片段，同时，仔细观察Asgore的部分弹幕，可以说和Toriel几乎一致，游戏正是通过这种方式巧妙地暗示了两者的伴侣关系。
本曲的核心部分在于1分50秒前后，由激昂的配乐升华至轻灵的钢琴间奏，你很快便会意识到，这段钢琴完全就是《Determination》的翻版。这是不是在暗示Asgore和玩家本人都下定了某种决心呢？还是想借此暗示玩家“Don't give up”？无论何种解释，你都能感受到，在这样一种场合下穿插一段钢琴曲所带来的难以描述的触动。
Toby Fox在这里再一次展现了东方音乐的精髓——关键旋律的反复递进。但不同于ZUN那样懒狗式的简单重复，Toby Fox还是采用了渐进手法与变奏相结合的技巧。第一段钢琴间奏为solo，第二段则加上了电子乐伴奏，接下来便是围绕这一段旋律作反复的变奏处理，音乐也在重复中渐入高潮，最终以一段气势宏伟的乐段收尾，整个过程没有丝毫拖泥带水，浑然天成。
有趣的是，最后的收尾是一段隐晦的《Spear of Justice》变奏，这是Undyne的主题曲之一，同样，这也揭示了两者亦师亦友的关系。
类似这样的再利用在Undertale中出现了不下数十次，Toby Fox的音乐才能与他的游戏制作才能同样令人折服。
结语：
没想到居然能写五篇，看来日更还是很有挑战性的，今天就这样收尾吧，明天见～