拱廊之火（英语：Arcade Fire）是一支独立摇滚乐队，来自于加拿大的蒙特利尔。乐队的主创成员是Win Butler和Régine Chassagne，他们是一对夫妻。乐队演奏的主要乐器除了常见的摇滚三大件之外，还有中提琴、大提琴、低音提琴、木琴、钟琴、键盘、圆号、手风琴、竖琴、曼陀林和手摇风琴。乐队在巡演中会带上几乎所有的乐器，然后由多面手的乐队成员们在整场演出中交替演奏。
《Funeral》
《Funeral》
乐队的第一张专辑发行于2004年9月，但是对于乐队成员来说，这并不是一张轻松的专辑。在这张专辑发行的前一段时期对于乐队成员们来说可以用痛苦来形容:Chassagne 的祖母于 2003 年 6 月去世，Butler 的祖父于 2004 年 3 月去世，紧接着在后一个月乐队成员 Richard Parry 的阿姨去世。这一段年长的亲人离去的时期也为这张专辑奠定了感情基调。
这些歌曲展示了一种集体下意识的认识，即在年迈的亲人去世后，强烈但又陌生又遥远的痛苦。葬礼唤起了疾病和死亡，但也唤起了理解和更新；孩童般的神秘，也有即将到来的成熟冷漠。一个非特定的“社区”反复出现的主题暗示了家庭和社区的支持纽带，但它的大部分抒情意象都非常荒凉。——Pitchfork
专辑以葬礼为题，但是开篇却是由社区(Neighborhood)组成的组曲，在《Neighborhood #1 (Tunnels)》是一部华丽的戏剧开场曲——管风琴的轻柔嗡嗡声、起伏的琴弦和简单的钢琴曲子的重复暗示着一部史诗的谨慎揭幕。巴特勒用大胆的声音介绍了他的邻居。场景很悲惨：当一个年轻人的父母在隔壁房间里哭泣时，他偷偷地逃到城市广场去见他的女朋友，在那里他们天真地计划着一个“成人”的未来，在青春期的阴霾中，他们几乎无法理解。这张专辑并不是简单的抒发亲人离去的悲痛，也不是傻呵呵的告诉你生活得继续向前走，更多的是展现了乐队成员们对于人生，对于分离，对于亲朋好友的态度。
只要我们不能或不愿意充分认识到在流行音乐中拥抱诚实情感的治愈方面，我们总是会从临床距离接近像《葬礼》这样的专辑的真诚。尽管如此，很容易接受这张专辑的爱与救赎的歌剧宣言——Pitchfork
这张专辑和隔壁Radiohead的知名专辑《Kid A》并称为自2000年以来最伟大的两张专辑，在几家不同的机构榜单里面也基本上这两张专辑拿下第一第二。这两张专辑对于现在的独立音乐尤其是独立摇滚的影响是巨大，从现今的独立音乐来看，这张专辑对于独立音乐的影响力也许要比《Kid A》更胜一筹。这张专辑也荣获包括格莱美奖、全英音乐奖、朱诺奖在内共24座国际大奖，Q杂志、Rolling Stone、Blender、The Guardian、NME各大媒体近乎满分的推崇，同时也格莱美奖“最佳另类音乐年度专辑”提名、名列滚石杂志史上最佳500大专辑，在Pitchfork上也获得了9.7的高分。
《Neon Bible》
《Neon Bible》
乐队的第二张录音室专辑发布于2007年。《霓虹圣经》与约翰·肯尼迪·图尔 (John Kennedy Toole) 的小说同名，相比于上一张专辑原始的感情宣泄，这张专辑的感情更有一种厚积薄发的感觉。这张专辑的叙事方向也开始发生了改变，开始瞄准了某一个很漂亮的国家的镇府，开始瞄准教会，开始瞄准军队、娱乐业、甚至是普通人身上那些卑鄙的本能。如果上一张专辑成功的捕捉到了个人承担的痛苦的严重性的话，那么这张专辑从各方面来说，都走到了主流社会的对立面去了。
这在专辑的开场曲目《Black Mirror》(黑镜)中很明显，它的标题来源于一个有数百年历史的设备，据说可以预测未来的事件，让观众超自然地洞察男人的心。在这里，乐队将这面镜子举向世界并捕捉到恶意的反映。乐队在这张专辑里面剔除了一切可能让宣泄、控诉声减弱的作品，以此来加强像诸如《Keep the Car Running》《The Well and the Lighthouse》之类的作品的情感推进。
这张专辑里面电气化元素占比开始增大，也算是乐队的新尝试，也为乐队之后的转型提供了方向。
《The Suburbs》
《The Suburbs》
乐队的第三张录音室专辑《The Suburbs》(郊区)发行于2010年，这张专辑并没有那么好的延续前两张专辑的叙事方法，以某一个主题来表达某一种情感/观点，如果说第一张专辑是在用葬礼表达对于死亡的态度的话，那么这张专辑则是以一个多角度的方面用郊区的意象来诉说童年。
这张专辑充斥着各种意象，因为环境问题是真的不能感同身受，但这张专辑除此之外，还多多少少有一些毛病。首先就是专辑塞了太多东西了，16首歌。一开始听这张专辑，首先就是同名曲《The Suburbs》，还挺轻松的，紧接着后面一首《Ready to Start》，直接把我性质拉起来了，但是当我听完整张专辑的时候，想的是终于结束了。相比于第一张专辑，这张专辑曲目太多，缺少爆发了和单曲质量；相比第二张专辑，这张专辑意象太多，专辑推进挺卡壳的。
这张专辑拿下了2010年的格莱美年度专辑，同年还有一张强劲专辑那就是Kanye West的《My Beautiful Dark Twisted Fantasy》，现在回过头来看这张专辑和《My Beautiful Dark Twisted Fantasy》可能还差点意思，这张专辑的瑕疵还是不少，但能赢下格莱美的话我估计还是补发《Funeral》的年专吧，像The Strokes去年靠着《The New Abnormal》赢下年度摇滚专辑估计也是补发《Is This It》的奖项。
不过这张专辑仍然不失为一张好专辑，只不过比上乐队的前两张来说，要暗淡许多。
到了这张专辑，乐队已经很明显的在转型的路上了，开始更加靠近一支后摇乐队了，又在某些程度上在慢慢往New Order方向上靠。
《Her》
《Her》
在2014年，乐队又参与了电影《Her》的配乐，并在去年发行了配乐的Original Score版本。
《Reflektor》
怕被和谐放一半
乐队的第四张录音室专辑发布于2013年。当乐队已经决定了转型之后，便索性直接请来了LCD Soundsystem的灵魂人物James Murphy。
这是一张双专辑，相比于前三张专辑，这张专辑也十分的跳脱，变化也不是一点。虽然说这张变化是可预见性的，但是还是让相当一部分人措手不及，也导致了这张专辑媒体评价的两极分化。
这张专辑的灵感来源于巴特勒一次在为从未听过那些我们认为理所当然熟知的作品的人们演奏时的感想，他认为那是“完全脱离背景的纯粹的节奏，纯粹的音乐上面的联系”。在这张专辑里面你会感觉你回到了过去，但其实这个“过去”并不是你熟悉的过去，反倒像是在你听完披头士，滚石乐队之后把他们的作品统统扔进火堆之后所产生的烟雾。
这张专辑里面他们扔掉了他们所谓的庄严感和自以为是，开始投身于观众，和观众打成一片。
Arcade Fire是永恒的、充满挑衅情绪的青少年，这就是让他们听起来像真正的失败者的原因，即使他们已经成为世界上最大的乐队之一。——Pitchfork
《Everything Now》
《Everything Now》
乐队的第五张录音室专辑《Everything Now》发行于2017年，在制作阶段请来了除了身拥三座格莱美奖加持大师Markus Dravs之外，还招揽已解散的传奇电子音乐组合Daft Punk的Thomas Bangalter加上Britpop三大顶尖乐队之一Pulp的贝斯手Steve Mackey和Trip Hip领导乐团Portishead的Geoff Barrow。
这是一张经典的，大佬大哥凑一块，结果搞砸了的专辑。不过和前几张专辑一样的是，专辑开头几首作品都还挺不错的，只不过《Everything Now》这张专辑从开头开始听的话，当听到《Peter Pan》的时候就可以换专辑去听了，剩下的曲目说是浪费时间也不过分:旋律循环，歌词重复，创意匮乏。在《Put Your Money On Me》里面有一个很简短的旋律变换也是抄自著名流行鼻祖ABBA乐队的《Dancing Queen》。除了开头三首单曲之外， Chassagne 在《Electric Blue》中杰出的Vocal表现——特别是当它在接近尾声时螺旋上升到平流层时，那一段是整张专辑为数不多的闪光点了。之前我一直认为Chassagne的Vocal的乐队里面的弱项，在早期的偏向庄严的专辑里面不能支撑作品进行，但是在这首作品里Chassagne找到了属于他的模式。
只能说可惜的是，如果之前的专辑说是相比起来不够好的话，这张专辑实在不是一张好专辑。
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